Por: Edgar Armas. 2 Julio 2022.
¿Qué es el arte? ¿Para qué sirve el arte?
Hago la siguiente reflexión: Imagínate que, en un hecho hipotético, pero no imposible, la humanidad reinicia. No termina, sino que reinicia de cero. Y desaparece toda la tecnología actual, desaparecen todos los avances de la humanidad y vuelve a ser un bebé. Hay varias actividades que, colectivamente como humanidad volveríamos hacer:
1.- Ciencia y tecnología: Nuevamente comenzaríamos a construir conocimientos y en base a ese conocimiento incipiente almacenado elaboraríamos herramientas. Asumamos la siguiente definición sencilla: la ciencia es la construcción de conocimientos, mientras que la tecnología es la aplicación social de la ciencia. Comenzaríamos a hacer innovaciones tecnológicas para diversos aspectos de la vida. Volveríamos a hacer ciencia y tecnología para facilitar las tareas del día a día y después aumentaríamos el grado de complejidad de la ciencia y tecnología con resultados más o menos similares a los que tenemos actualmente.
2.- Agricultura. Nuevamente volveríamos a cultivar alimentos. La agricultura es la aplicación de conocimientos y tecnología enfocados en producir alimentos. Como humanidad, no podríamos haber llegado hasta aquí de no ser por la agricultura.
3.- Armas y Tecnología para asesinarnos los unos a los otros. La capacidad de dar y quitar la vida y ser sofisticados en esta actividad es una característica inherente de la humanidad desde que Caín asesinó a su hermano Abel y más tarde Lamec, descendiente de Caín, asesinó a otro hombre. Desde entonces, la humanidad es eficiente en matarse los unos a los otros.
4.- Escritura. Volveríamos a construir un sistema gramatical y gráfico para transmitir ideas, historias y conocimientos. Nuevamente, la humanidad ha progresado hasta aquí gracias a la escritura. Finalmente, la escritura, es una herramienta del arte.
5.- Arte, que es el tema principal de éste artículo. Es sin duda alguna una de las características que nos hace humanos. Si la humanidad empezara de cero y en los humanos que quedaran, aunque no quedara ningún sólo pintor, escultor, músico, escritor o actor o cualquier otro artista, volveríamos a hacer arte.
¿Qué animal puede hacer arte? Podrías mencionar a un elefante que pinta y un cerdo. La realidad es que éstos animales no hacen arte, sino que son entrenados. Así es como el arte y la escritura fueron parte del crecimiento de la humanidad.
Pero persiste la pregunta: ¿Qué es el arte?
Aquí te cito 3 definiciones que encontré en la WEB y en las que reflexionaremos para poder entender el concepto de arte:
1.- Arte (es.slideshare.net): Creación humana de valores estéticos (belleza, armonía, equilibrio) que sintetizan sus emociones, su historia, sus sentimientos y cultura.
2.- La segunda definición (es.slideshare.net): Es un conjunto de procedimientos utilizados para realizar obras, en el cual aplicamos nuestros conocimientos.
3.- Actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido.
4.- De Wikipedia: El arte (del latín ars, artis, y este calco del griego τέχνη, téchnē) es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones y, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales y mixtos.
Ésta me parece una definición un tanto más completa que las anteriores, pero también las dos definiciones que le anteceden aportan elementos para definirlo.
De acuerdo con el Mito griego de las musas del arte que son 9. Y según los criterios modernos de arte, las disciplinas que lo componen son:
· Música
· Literatura
· Danza
· Arquitectura
· Escultura
· Pintura
· Cine, que le llaman el séptimo arte.
Voy a intentar responder la pregunta de qué es el arte. Para no extenderme demasiado voy a profundizar en las definiciones con obras de arte como ejemplo y me remitiré a dos o tres de las disciplinas del arte: la pintura, escultura y tal vez poco de escritura. Acompáñame en ésta explicación, usemos la primera persona del plural para hacer éste recorrido.
En la primera definición "Creación humana de valores estéticos (belleza, armonía y equilibrio”, tenemos el primer problema. El concepto de belleza es muy subjetivo. Por ejemplo. Saturno Devorando a su hijo de Francisco de Goya, si no les digo que es un Goya, puede que a muchos se les haga fea, terrorífica, pero también está la posibilidad de que para otros sea una pintura hermosa.
Ésta obra que forma parte del conjunto de las pinturas negras de Goya, que pintó para si mismo en la Quinta del Sordo, no vieron la luz en su tiempo, sino años después. Así que Goya las pintó con toda libertad para su disfrute. Si el público de su tiempo las hubiera visto, habría confirmado sus sospechas, que el pintor estaba loco y decadente. Poco antes de pintar las pinturas negras, hizo la serie de grabados “Los Caprichos” que fueron un rotundo fracaso comercial, pues el público de la época los juzgó de poco valor artístico en comparación con las obras que Goya tenía acostumbrados a su clientela.
Entonces, aquí tenemos una hipótesis: "Lo que es bello en un tiempo, en otro momento no lo es y no obstante sigue siendo arte". Recuerden la moda en las mujeres de los 90s, donde el estándar de belleza era tener unas cejas súper delgadas. En cambio, ahora la moda es tener cejas más gruesas.
Otro ejemplo de lo que para algunos es hermoso y para otros no en el tiempo, es ésta pieza de Calude Monet, se llama “Impresión Naciente”. En su momento, la academia y la crítica fueron muy severas con ella. Precisamente “Impresión naciente”, es considerada como el inicio del impresionismo. Hoy nadie negaría su belleza, pero entonces fue calificada como una obra decadente.
Ahora abordemos el tema de la “armonía”. Les presento el Triunfo de la Muerte de Pieter Brueguel, el Viejo. Si notamos la obra de cerca, la armonía y composición es muy difícil de determinar. Sólo cuando nos alejamos y perdemos el detalle y vemos el paisaje, podemos ver la composición y armonía. Entonces, aquí la ausencia de composición y armonía aparente da la sensación de caos. ¿No era precisamente el objetivo de Pieter Brueguel? Una pintura caótica, apocalíptica, donde no importa donde te escondas, la muerte te iba a llevar. Volvamos a nuestro maestro Goya: aquí la composición de "Vuelo de brujas" es obvia, da la sensación de movimiento ascendente. Entonces una obra, puede tener armonía o carecer de ella y no obstante seguir siendo arte.
Por último, el concepto que utiliza la primera definición que vimos de arte es la palabra “equilibrio”. ¿Qué es el equilibrio? Pues finalmente es la percepción visual, es decir, que la obra no se valla ni por un lado ni para otro. Veamos ésta obra de Picasso: la Guernica. Aparente no está equilibrada. Tanto la mirada como la zona oscura de la obra se carga hacia la izquierda. Entonces, aparentemente no está equilibrada. Pero recordemos que fue una obra revolucionaria en su tiempo. Otro ejemplo de Picasso: La mujer Azul. Definitivamente la pintura no ésta equilibrada. ¿Y por eso deja de ser arte? Nuevamente recurro a Goya. Podrás observar que aparentemente es un muro avejentado, pero conforme bajas la mirada descubres que el centro de la obra no está en el centro de la obra, sino en la esquina. Es un perro semihundido y triste. Así que la falta de equilibrio da la sensación de abandono.
Ahora te presento a ésta obra de Jakson Pollock. ¿Le ven equilibrio, composición y armonía? Difícilmente, y por eso, ¿deja de ser arte?
Ahora analicemos la definición de Wikipedia. Se introduce el concepto “lo estético”. Definamos “estética”:
“Disciplina filosófica que estudia las condiciones de lo bello en el arte y en la naturaleza”.
Tenemos un problema muy similar al del principio: ¿Quién define lo que es bello y lo que no lo es?
Vallamos a un ejemplo contemporáneo: Aquí tenemos “Closed Contact 14”, Pause, o Pausa, Matrix y Propped, de Jeny Saville. Ninguno de los modelos pintados por ella son el arquetipo de lo que la sociedad considera como bello, y no obstante, difícilmente alguien puede argumentar que sus obras no son bellas.
Si observamos las obras de Gutierrez Solana, Luoise Borgeois, Francis Bacon, entre otros desafían el concepto de lo bello y no obstante siguen siendo arte. ¿Por qué?
Utilicemos a Edward Munch para responder. Aquí nos presenta El Grito, obra de 1893, La obra está desequilibrada y difícilmente es bella y no obstante es arte. ¿Por qué es arte?
La respuesta está en la “comunicación”. La obra “El grito” de Edward Munch comunica y comunica de manera eficiente: el humano moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial.
Munch se inspiró en su propia vida atormentada, una tragedia sobre un padre severo, una madre muerta y unas hermanas enfermas, trastornos bipolares y depresión, alcohol y armas de fuego. El propio Munch nos cuenta de donde surgió la idea en su diario de 1892:
“Paseaba por un sendero con dos amigos – el sol se puso – de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio – sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad – mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza”.
Entonces, ¿Qué expresó Edvard Munch? angustia, desesperación, ansiedad. También en los ejemplos que les he mostrado líneas arriba, están expresando emociones. Regresemos al Saturno devorando a sus hijos. ¿No les comunica terror y la crueldad de un ser que es capaz de comerse a su propio hijo para que no le arrebate el poder?
También la comunicación de una obra puede ser una idea y la visión de la realidad. Aquí Andy Warhol presenta las Sopas Cambells. No representa una emoción, pero si representa una “idea y la visión de la realidad”. La idea o mensaje de Andy tiene que ver con una visión positiva de la cultura moderna y la sociedad de consumo. Sin embargo, el sentido o el mensaje de una obra no es estático, sino dinámico. Tal vez Andy quiso comunicar algo diferente a lo que hoy se le podría atribuir o incluso lo que yo podría opinar: una sociedad de consumo masificada, homogénea y carente de personalidad.
A Warhol, se le puede atribuir el concepto de que el arte puede estar en cualquier parte. La visión actual de la realidad que creo Andy en su obra es el tránsito de una cultura de lo inmediato, hacia lo masivo, la recompensa fácil, el argumento sencillo. Es innegable que las obras de Andy Warhol son el testimonio fiel de la época de los 80s hacía el presente. Es considerada una de obras cúspides y más representativas del arte pop. Puede gustar o no gustar, pero el gusto es personal. Aunque la opinión es personal, forma parte del arte y la experiencia que es valida tener frente al arte. Es totalmente válido opinar si una obra te gusta o no. La siguiente vez que vallas a un museo o galería opina con toda confianza, pero trata de opinar con argumentos.
Ahora te presento es este conejo de Jeff Koons. ¿Qué representa éste conejito metálico? Difícilmente la escultura puede expresar una emoción. Si llegas a ver una emoción en él conejito, es tu reflejo en la superficie metálica. Más bien su objetivo es estético. La personalidad de la obra es cuestionable y sujeto a debate y es probable que precisamente éste sea el objetivo del artista: que tú te reflejes en sus conejos y que debatas. Jeff Koons, al igual que Andy, Basquiat, Banksy, Damian Hirts son sinónimo de debate. Independientemente si es cuestionable su estética simple, es un testimonio de la era en que vivimos. Por lo tanto, ¿El conejito, así como las demás esculturas de Jeff Koons son arte?
Falta incluir en las definiciones de arte ya citadas la palabra “trabajo”. La definición que encontré en Wikipedia, hace un guiño al “trabajo” cuando dice “cualquier actividad o producto realizado”, la actividad y el producto requieren de un trabajo. Por lo tanto, las obras de arte, las grandes obras arte que vemos en museos y galerias implican que el artista realizó un trabajo para generar la obra. Pero también realizó un trabajo previo en pensar y preparar la obra de arte.
Imagínate la cantidad de trabajo que implicaron en los murales de la Capilla Sixtina que está en el Vaticano o la capilla Riveriana de Diego Rivera que está en Chapingo. Tanto los murales pintados por Miguel Ángel de la Capilla Sixtina como Diego Rivera en sus respectivas capillas tardaron en completarse 4 años. Ahora bien, el trabajo no necesariamente es el trabajo individual del artista, sino también puede implicar un trabajo colectivo, o el artista puede tener a un grupo de ayudantes u operarios para realizar la obra con el sello o la supervisión del artista.
Tanto Diego Rivera, como Miguel Ángel, probablemente hubieran tardado en pintar sus capillas más de 10 a años de no haber contado con la ayuda de estudiantes, aprendices y operarios. Se sabe que otros autores del pasado también contaban con un taller donde trabajaban varios ayudantes y alumnos bajo la firma del maestro.
Ahora bien, después de ver los trabajos de Diego y Miguel Ángel, tratemos de examinar cuánto trabajo pudo haber realizado Maurizio Catellan para crear “Comediante” que presentó en Art Basel de Miami:
1.- Pensar la obra. Escoger cuál era la fruta adecuada y elaborar el concepto.
2.- Ir al supermercado y escoger un plátano, y después pagar 1 o 2 dólares por él
3.- Pasar a la tienda de insumos de tlapalería y pintura por una cinta gris de plomero.
4.- Pegar el plátano en la pared con la cinta gris de plomero.
5.- Autentificar la obra con su firma.
¡Y Viola! Tenemos una obra de arte de 120,000 USD (Fue lo que pago una compradora por él antes que otro artista se lo comiera en el performance "Artista hambriento". Para su suerte el valor de la obra no reside en el plátano físico, sino el certificado que lo acompaña).
¿Entonces podemos comenzar a concluir que, cualquier objeto puede ser arte porque lo hace un artista? ¿Has escuchado hablar de la "Mierda de artista" de Piero Manzoni? El mismo Manzoni al presentar ésta obra hace una mordaz crítica al Mundo del Arte, en el que en ocasiones, la simple firma del artista con renombre provoca aumentos irracionales en el valor de su obra. Como excelente broma del artista, su "Mierda de Artista", de las 90 copias que existen, se han subastado hasta por 275,000 euros. Incluso, algunas latas se encuentran exhibidas en el MoMA de Nueva York. Por el contrario: ¿podemos concluir que no necesariamente porque está en el museo o la galería de arte, es arte?
Aquí te presento “Fuente”, de Marcel Duchamp, que fue exhibida en 1917 en el salón de la sociedad de artistas. La obra abrió la puerta al “Ready Made” y ha sido calificada como una de las más influyentes del siglo XX. En realidad, el autor sólo quería jugarle una broma a sus colegas. El mismo explica:
“Les arrojé a la cabeza un urinario como provocación y ahora resulta que admiran su belleza estética…”.
La broma del artista llegó demasiado lejos, aunque la original está extraviada, se exhiben varias copias en museos. Al igual que la obra de Manzoni guardan un lugar especial en la historia del arte moderno. Los actuales artistas conceptuales no pueden explicarse sin los antecedentes de Manzoni y Duchamp.
El 90% de las personas sabemos escribir, pero eso no nos convierte en escritores. Todos hemos cantado, aunque sea en la ducha, pero por el hecho de cantar no nos convierte cantantes ¿o si?. Tal vez sea momento de concluir que una obra de arte, para ser obra de arte debe de estar acompañada de los siguientes elementos: un trabajo individual o colectivo (previo y de ejecución), técnica, estética, comunicación, mensaje y testimonio.
Al principio te mostré “El Vaso medio Lleno y Medio Vacío” de Wilfrido Prieto, “Comediante”, que es la banana en la pared de Maurizio Cattelan. Te toca a ti definirlo en función de lo que intenté explicar, me gustaría saber tu opinión. ¿Qué es arte y qué no lo es? Empecemos el debate.